Historia del Diseño Gráfico

  • Historia del Diseño Gráfico


    Como mi primer post:


    Tema 1
    El diseño gráfico en la segunda mitad del siglo 19 en Francia.

    Honoré Daumier: recoge la herencia de la revolución francesa y trabaja en ilustración colaborando con la prensa en temas sociopolíticos. Colaboró con 2 ilustraciones semanales en los periódicos, “la caricatura” y “Charivari” (vacilón y cañero). Es pintor “decente” pero genial grabador. Vivió del grabado. Como técnica utilizo la litografía estilísticamente se le relaciona con lo barroco victoriano. Por otro lado tiene otro estilo de composición sintética. Se le compara a Goya (en los desastres y los caprichos) o a Hoggarth (uno de los grandes del grabado, pintaba al rey borracho y la de dios, iba a machete).

    Gustave Doré: Uno de los mejores grabadores de la Hª de arte, usaba la xilografía como técnica, está considerado un romántico, trabajo en el taller de Pisan. Los resultados de su obra son irregulares. Colaboro en prensa Francesa. Trabajo en 10 años tirando miles de ilustraciones. Son famosas las imágenes de la divina comedia, el quijote, la oda del viejo marinero, los cuentos de Perrault y los Droláticos.

    En Francia en ilustración o a veces en cartel pintores famosos de la época: Delacroix, Gavarni, Gericault, Courbet (bueno) y Millet.

    Jules Chéret: De los pocos que se podía considera profesional, cuidaba la tipografía cosa q no hacia Toulouse. Se le considera el padre del cartel moderno. Su padre era tipógrafo, trabajo desde los 13 años en talleres litográficos. Trabajo en Londres y Paris, primero que utiliza las mujeres como tema erótico para la publicidad. Trabajó catálogos, cubiertas de libros, todo tipo de libros y revistas, y el cartel. Trabajo en Londres y se interesó sobre todo en la maquinaria. Montando su taller en Paris triunfó tras realizar un cartel “la cierva en el bosque” 1866. Vivió 96 años. Hizo en torno a 1000 carteles. Siempre la protagonista de la escena es una figura femenina siempre cargadas de “erotismo”. Era uno de los primero que se le admite utilizar la mujer-objeto como reclamo publicitario.

    Henri Toulouse-Lautrec: Él era un artista pero para comer hacia carteles para los tugurios por los que frecuentaba. Artista y cartelista famoso. Utilizó todas las técnicas de reproducción pero como la moda prevaleció la litografía. A diferencia de Chéret se le atribuyen sobre 100 carteles. Son famosas sus series: Jane Avril, Aristide Bruant etc... Dominio de colorido, lenguaje publicitario, dominio de criterios espaciales, amplias zonas vacias (influido por la estampa japonesa) Tonos brillantes e intención caricaturesca. Según Gui Bonsiepe los diseños gráficos no pueden ser concebidos como pintura con elementos gráficos añadidos, por eso Toulouse fue un excelente pintor pero pésimo tipógrafo.









    Tema 2
    El movimiento de las Arts & Crafts

    Utopías. Nacen desde el mundo antiguo, intentar hacer algo casi irrealizable, en el renacimiento nace como las entendemos hoy. La gente quiere mejorar la sociedad en la que vive.

    Robert Owen hijo de papa, arruinó a su padre más de una vez, intento crear ciudades utópicas, se le relaciona con mentalidad de izquierdas, con el socialismo. Primera persona q monta guarderías en las empresas (la de su padre el primero). Se pira a Norteamérica en donde crea New Harmony, sus ideas eran: eliminación del dinero, eliminación de clases sociales, eliminar el matrimonio como institución... nada se hizo (utopia).

    Charles Fourier Ideo una idea de sociedad viviendo en un solo palacio en forma de U con una zona llamada Falansterio.

    Godin fracaso desde el principio en sus proyectos.

    E.Cabet anarquista, vivió por varios países, mas utópico q el resto, ideo un proyecto llamado Icaria.


    Movimiento para la reforma de Arts & Crafts.

    Pioneros: Henry Cole y su grupo. Augusto Pugin como precursor del movimiento Neogótico (hojas).

    Viollet Le Duc: Se dedicaba a reformar y alterar la integridad de los edificios románicos y góticos de la época, incluso hasta volverlos irreconocibles.

    Henry Cole: Ha pasado a la historia por ser el organizador de la primera EXPO de la historia. Sis amigos eran Owen Jones, Richard Redgrave y Gottfried Semper.

    Los Artífices: John Ruskin. Maestro de William Morris, el verdadero artífice del movimiento.

    *(Sucesores de Morris…..pedir)













    Domestic revival: son todos arquitectos que difundian un modelo de casa ideal para ellos.

    Introducción al tema de Arts & Crafts.

    El movimiento se inicia en Inglaterra y aunque en un principio se ocupó de productos artesanales, dio lugar a una concienciación del futuro de la industria y sus productos, fue fundado por Williams Morris, que perseguía una coherencia formal en los productos artesanales y siguiendo una concepción de los llamados protofuncionalistas (1ºs de la historia), decían que la belleza está en concordancia total entre forma y función.
    Si bien William Morris no creía en las posibilidades culturales de los productos industriales, si cambió esa idea al final de su vida, y parte de sus discípulos supieron aplicar sus ideas a la industria.

    El impacto producido por el establecimiento de la industria provoco una serie de transformaciones sociales protagonistas de la historia del siglo XX. Q son: la concentración de la clase obrera en las ciudades, la generación de una suburbización desordenada la aparición de una clase proletaria enajenada por el trabajo y condicionada por el ritmo de las maquinas.

    La uniformidad de los productos industriales motivo el rechazo de los intelectuales como John Ruskin, que pretendía la liberación de las masas mediante la exaltación del individualismo enfrentándose al liberalismo económico y a la industrialización en una evocación de la cultura de la edad media.

    El catedrático de historia de arte de la universidad de Londres, Nikolaus Pevsner sitúa los comienzos del movimiento moderno en el edificio del palacio de cristal de Joseph Paxton que se hizo para la primera Expo de historia. Realizado en hierro y cristal 2 tecnologías pioneras de la industrialización y aplicadas a una obra arquitectónica que rompió los moldes del clasicismo imperante de la época. En ese palacio se exponían por primera vez los productos industriales de diferentes países, pero el edificio despertó la crítica más dura respecto a su estética.

    Ruskin detestó esta arquitectura (la puso a parir) y mantuvo su apoyo a la concepción artesana del trabajo. William Morris, definido como proyectista empresario pintor y poeta se asoció a las ideas de Ruskin en un principio y critico el producto industrial reprochándole su masificación e indiferencia, sin embargo sus teorías definían los principios del diseño al reconocer las posibilidades del objeto y de la imagen como portadores de cualidades estéticas, que según Arts & Crafts eran fruto de cualidades artesanas y no de las maquinas.

    En su intento por influir sobre las degradadas condiciones de vida de gran Bretaña y mejorar la sociedad destacaban el interés social que los productos podían tener. Morris fue el animador del movimiento A & C donde se incluye la producción artesanal británica hasta 1860 y el diseño británico hasta esa fecha.

    Sus enseñanzas fueron recogidas y desarrolladas por algunos discípulos que se liberaron de los prejuicios anti mecanicistas de sus maestros.

    Lewis Day, uno de los discípulos de Morris dijo “ Nos guste o no, la maquina la fuerza motriz y la electricidad tendrá mucho que decir en el arte y el futuro”.
    El fracaso de las ideas de Morris y de A & C estuvo en intentar cambiar la sociedad por el arte pero sus trabajos eran de tanta calidad y tan caros que acabaron en manos de las elites burguesas como le sucedería al Art Nouveau.




    Arts & Craft y diseño Gráfico:

    El medievalismo formal invade Europa desde el 2º cuarto del siglo XIX, dando lugar al fenómeno llamado Romanticismo, “historicismo medievalizante”. Tuvo su origen en Inglaterra y Francia, y en Viollet y Pugin, modelos que imita Ruskin, esa moda defiende el estilo gótico y la naturaleza.

    Ruskin, teórico, socialista, crítico pasivo, escritor, poeta, pintor, periodista y crítico de arte, predicaba la unidad de las artes y la revisión social. Fue uno de los líderes de los prerrafaelitas e influyo en las ideas de Morris de quien fue maestro y amigo. Viollet de Duc era cartesiano, racionalista y práctico y desde sus libros y su práctica proyectual y constructiva influyo en Francia y luego en el resto de Europa. Morris, un industrial con gran capacidad de trabajo y procedente del grupo de pintores prerrafaelitas, fue un empresario que se dedicó a la industria, la poesía, la literatura, el periodismo y la edición, además fue conferenciante por toda gran Bretaña. Y diseño de todo sin tener idea de nada.

    Morris funda en 1861 la empresa “Morris, Marshall, Faulkner & CO” que produce: mobiliario objetos para la vivienda, papel de empapelar, azulejos, tapicería, vidrieras y alfombras que tuvieron un gran éxito en las exposiciones internacionales y de industrias a partir de 1862. En 1884 funda “Arts Workers Guild”, una asociación que reunía a sus diseñadores y difundía sus teorías.
    En 1888 fundo “Arts & Crafts Exibition Society”, una asociación para difundir teorías y obras por gran Bretaña.

    Morris dedico mucha atención al diseño gráfico, en especial a la tipografía y al aspecto visual del libro, colaboró con editoriales donde publicó poemas y textos políticos en 1862 diseño la encuadernación para su libro “Love is Enough” y en 1885 en plena militancia socialista edita y sufraga “the Commenweal” donde diseña las cabeceras y acabara diseñando el carnet de la liga socialista. Colabora con su amigo ideológico y colega de farra Walter Crane, pintor, ilustrador famoso, pionero del Art Nouveau, publica su famosa utopía, Memorias de ninguna parte que reeditara en 1892 en una lujosa edición de la Kelmscott press. Ese libro no gozo de buena prensa fue censurado por la Inglaterra Victoriana, y fue atacado él y su ideología.

    Morris se preocupaba por al tipo y la impresión por miedo a q los libros desaparecieran, y matiza la condena “ruskinianiana” de la máquina, cosa q nunca condenó del todo, pues él y sus empresas
    contaban con las mejores y más modernas máquinas del momento, aunque defendía la necesidad del retorno al trabajo manual al igual que Ruskin, cuyo ideal era la sociedad medieval del siglo XIV, siglo que tenían idealizado por ser una época de desarrollo, Morris lo q siempre criticó fue el mal uso q se hacía de las máquinas. La gran paradoja de sus productos y libros acabaron en la aristocracia.

    Morris consciente de q el arte de una época no puede estar separado de su sociedad se dedica desde 1883 a la militancia política, siendo uno de los líderes de la liga Socialista. Da conferencias, mítines, participa en manifestaciones, denuncia el eclecticismo de la mezcla de estilos, defiende el patrimonio, lucha por la producción literaria y funda la escuela central de Arts& Crafts para difundir sus ideas. Se dedica a producir y fabricar a partir de los 83 modelos de interiorismo y en 1891 funda y dirige el taller de impresión de alta calidad. Su amigo el tipógrafo Emeri Walker fue quien le animó a fundar la Kelmscott Press y l instituto artesanal del libro. La Kelmscott Press edito unos 60 libros, en concreto en 6 años, los últimos 3 pasándolo enfermo.

    De los libros diseñaba las tipografías, las iniciales, las cabeceras, las ilustraciones, grababa xilografías. Con él colaboraron Walter Crane y otros; Morris controlaba la producción como si fuera un taller renacentista. Era admirador de las caligrafías medievales y las primeras tipografías, las renacentistas, admiro las tipografías del siglo XV.
    Controlaba el tipo de papel el espaciado de las letras y palabras , los márgenes y las orlas. Diseña y funde 3 tipos: la Tory, la Chaucer y la Golden.

    Aparte de sus contribuciones no se le puede considerar diseñador gráfico ni arquitecto, ni diseñador industrial a pesar de tocar todos los campos. Sin embargo su figura quedó en la historia del arte y diseño como el pionero del movimiento moderno.






    ART NOUVEAU: (1890-1914)

    -Corriente mediterránea, Francia, Bélgica, Holanda, Italia y España
    -en ambas corrientes, EE.UU
    -corriente nórdica
    -Austria: Secessión
    -Alemania: Jugendstil
    -G. Bretaña: Modern Style o Liberty.

    Introduccion al Art Nouveau:

    Es un grupo de tendencias paralelas que se inicia en Francia y Bélgica y se extiende por toda Europa y EEUU. Defiende la rotura definitiva con los viejos estilos para dar lugar a conjuntos formales relacionados con la naturaleza. El Art Nouveau es el termino aceptado internacionalmente para denominar esta etapa característica.

    Sus variantes son tendencias análogas en el tiempo, inspirados en las teorías de Morris y su orientación liberalista frente a los estilos históricos. Se exaltaban las técnicas artesanas pero se aceptaba la intervención de la máquina.

    Arquitectura, mueble, tejido, cristal, cerámica, forja, talla, joyería, moda, encuadernación y diseño gráfico, etc…, fueron desarrollándose en una actitud estética que modificaba la “normativa” de los criterios clásicos imperantes basados en la catalogación de tipologías, en la corrección estilística, etc. El Art Nouveau y sus movimientos análogos introdujeron el concepto de la estética aplicada con lo que se incluía a artistas y artesanos en un cambio de pensamiento.

    Contrariamente a los que han considerado al AN como una corriente opuesta al racionalismo, hay que señalar relaciones entre ambos movimientos, como la promoción del papel desempeñado por los materiales, las máquinas y herramientas en la creación formal. Además, el Art N. tiene importancia porque se sitúa entre dos siglos y tiene una actitud de rechazo hacia las corrientes clasicistas del XIX, y además tuvo una gran invertida (estéticamente hablando). El Art N. se considera hoy una corriente esteticista favorecida en muchos países por el propio estado, es una tendencia burguesa hecha a su medida.

    Modern Style:

    Morris influyó en amigos y en enemigos y su estil permanecerá en Europa y en américa 20 años.
    El D. Gráfico de esa época, está influido por lo propiamente británico, por Francia, por la estampa japonesa y por el impresionismo.

    BEARDSLEY:
    Autodidacta y conocido por la reina como el discípulo del diablo. No perteneció al círculo de Morris pero conocía sus teorías. Su estilo es ornamental, decadente, hedonista y perverso, deja grandes espacios vacíos, valora el blanco y negro y utiliza ornamentos de forma arbitraria.

    WALTER CRANE:
    Evolucionó de A&C hacia el modernismo. Domina la línea autónoma. Se dedicó también al mundo editorial. Publicó lecciones metodológicas para la ilustración y defendió la relación arte-industria.

    MACKMURDO:
    Estudió arquitectura pero se dedicó al DG. No perteneció al círculo de Morris pero fundó una sociedad: “Cetury Guild”. Es famosa la cubierta del libro de Wren.

    WHISTLER:
    Pintor impresionista americano, interiorista, diseñador de producto, y lo que menos gráfico. Era enemigo de Morris. Participó en los comienzos del Modern Style, trabajando el diseño editorial y en concreto,…cubiertas de libros. Su mejor aportación fue hacer de puente entre Inglaterra y EEUU.

    MACHINTOSH:
    Arquitecto, diseñador industrial y gráfico, líder de la escuela de Glasgow. Cuando era alumno de la escuela presenta un proyecto, la famosa escuela de Glasgow actual. Participó en DG, sobretodo en el cartel, en programas, folletos, etc. Su estilo se define como de versión rectilínea. Va a tener relación y va a influir en la Seccesión vienesa.

    El Modern Style, tuvo más personalidades en el DG, que recibieron influencia de frnacia y de Alemania y entre ellos hay que destacar a Charles Ricketts, diseñador G e ilustrador.

    REVISTAS DEL ART NOUVEAU:
    Art et Decoration, The Studio, Jugend, Pan, Novissima, Revié Planche, Simplicissimus, Van Nu en Stracks, L’Art Moderne, Veer Sacrum, Arts & Crafts, Pel & Ploma, Juventut.



    ART NOUVEAU EN FRANCIA

    La versión francesa del AN fue un movimiento colectivo que integra y concilia el estilo ornamental de Beardsley, de W.Crane, junto al simbolismo francés a la inspiración en la naturaleza y a una estética influida por la cultura burguesa. Fue un movimiento en su momento de vanguardia que se oponía al clasicismo anterior, pero en comparación con las vanguardias históricas y desde el punto de vista actual quedo reducido a algo puramente hedonista y a una experiencia estética.

    La burguesía industrial y comercial francesa se encontró con un estilo adaptado a ella como valor de clase. La joven industria europea buscaba una estética complaciente y hallo en el AN su forma de representación que abarcaba desde la arquitectura al libro, desde mobiliario a la joyería, desde los objetos de uso a la escultura decorativa, desde el mundo editorial al cartel etc… y proporcionaba todo ello una respuesta plástica coherente a medida de sus ambiciones burguesas. Históricamente fue una alianza estética que la industria emprendió en oposición a movimientos como el realismo, el prerrafaelismo y el impresionismo, y acabarían chocando a principios del siglo XX con la forma de las vanguardias históricas.

    El AN fue protegido por la administración pública y le confió el diseño de sus edificios y de los transportes de Paris como el metro. La iniciativa privada y la industria francesa protegieron las artes gráficas que llegaron a ser las principales de Europa.

    ALPHONSE MARIA MUCHA (1860-1939) (entra examen)
    Máximo representante del diseño en el AN y su obra está definida como homogénea, densa, recurrente, dominio de la caligrafía, la composición y la tipografía. En 1894 el gerente de la imprenta Lemercier le encarga el cartel anunciador de la obra de teatro “Gismonda” interpretada por Sarah Bernhardtt. En su carcelería reúne todos los ingredientes del modernismo gráfico, se expresa sintéticamente y va a crear modernamente los 20 siguientes años.

    Con el cartel “Gismonda” inicia un nuevo estilo que se caracteriza por colores suaves, trazo permanente, grosor del contorno, ornamentos con líneas ondulantes o sinuosos círculos, motivos florales, mosaicos bizantinos, estructuras arquitectónicas islámicas, estampados de origen exótico, árabe u oriental, personas estilizadas, buen tratamiento del ropaje, inspiración en la xilografía japonesa, utilización de “losanges” (rombos), cabellos en spaghuetti, tiene influencia de Chéret y de Toulousse, de Grasset, Burne-Jones, Ricketts, Beardsley.

    Sus figuras femeninas tienen una dimensión sensual distanciada de los modelos de Chéret y se inspira en los personajes femeninos literarios.

    -“Gismonda”

    -JOB (papel de liar)

    -Champagne Ruinant (1896)

    -cartel para la caixa, A.M. Mucha (1898)

    -panel decorativo de una exposición (1898), vertical tonos pastel, se llamaba “seducción, modernidad y utopia”

    -cartel Medee- Sara Bernhard
    -panel decorativo de una exposición (1902), una niña con una luna detrás.

    (Mirar libreta…)

    ART NOUVEAU EN BÉLGICA:

    Van de Velde: arquitecto y diseñador de producto. Director del ¿Vermont? instituto en Alemania. Etapa alemana. La única área que toco con interés fue el mundo editorial.
    Influido por la ideología de A&C quería llevar el arte a todos los órdenes de la vida.

    Arquitecto, pero fue un personaje multidisciplinar y fue fundador de la revista “Van Un en Stracks”.
    Trabaja en todos los campos, arquitectura, pintura, grafica en general, editorial, tipografia, cartel y publicidad, embalaje, tejido, vestidos, papeles de pared, vidrio, mobiliario, objetos de uso y joyería.
    Fue director del Werk bund Institut (primera escuela de diseño en Alemania)

    -Doble página libro Nietzsche (ecce homo). Tipografía art nouveau, pero con toques góticos (Alemania).

    -Tropon. Portada revista belga.



    ART NOUVEAU HOLANDA:

    HENDRIKUS PETRUS BERLAGE:

    Estudia arquitectura pero se dedica a todo. En grafica se dedicó a la tipografía y a los alfabetos y en el mundo editorial a las cubiertas de libros. Algunos de los DG holandeses proceden del mundo de la pintura pero a otros se les considera protodiseñadores.

    -Prikker: Revue Bimestrielle pour L’Art Applique.



    ART NOUVEAU EN ITALIA:

    El AN entró tarde en Italia e influido por la cultura del momento. Es muy poco autóctono (no rasgos italianos) y ecléctico (mezcla de estilos). Hoy se considera a la factoría de Ricondi de Milan (imprenta) como la 1ª escuela de grafica italiana.

    Marcello Dudovich y Leonetto Capiello.

    - Marca Pirelli. Logo anónimo. La elasticidad del neumático.

    CAPPIELLO:

    - cartel absenta
    - cartel chocolat Klaus
    - Le Thermogene
    - cartel para Bitter Campari.

    Dudovich:

    - Bianco e nero. (tienda o firma de moda)
    - Cartel Bitter Campari.
    - anuncio de tinta.
    - anuncio pasta “stucky”
    - anuncio Fiat Balilla
    - anuncio Agfa
    - anuncios la rinascente

    Leopoldo Metiocovitz:

    - trabajo para la Ricordi. Zapatos de Varese.


    ART NOUVEAU EN ESPAÑA:

    El AN entro antes que en ningún sitio solo en arquitectura. En el resto de aspectos es más tardío. Los arquitectos del AN más importantes son Gaudí y Domenich i Montaner, que tocaron de refilón la gráfica (Gaudí tenía la intención de realizar portadas y tenía contactos con imprentas). El único DG catalán es Alexandre de Riquer, imitador de Mucha. Ramon Casas es pintor del AN (anuncios de anis del mono)

    ART NOUVEAU EN RUSIA:

    Ivan Gakoulevich Bilibin: desconocido hasta avanzado el S.XX. Ilustrador. Enamorado de la bibliografía antigua rusa, y se dedicó a recoger imágenes (viñetas o elementos decorativos desde la E.Media hasta su época).



    ART NOUVEAU EN AUSTRIA: (teoría examen)

    En Austria el movimiento AN se denomina Secessión y proporciona una de las versiones o variantes más importantes desde la perspectiva del DG, todo gracias a la densidad intelectual y artística de Viena en el cambio de siglo. El Secessión fue apoyado por filósofos, escritores, poetas, músicos y artistas austriacos y enmarcaron el nacimiento del movimiento en un contexto cultural que ha sido el más importante de la historia de Austria.

    Encuadrados todos ellos en la revista “Ver Sacrum”, que se publicó entre 1897 y 1903, un grupo de arquitectos, artistas plásticos y diseñadores ejercieron en el diseño la labor de fundamentar los criterios básicos de la profesión del Diseñador Gráfico. De forma simultánea, la profesión de diseño o especialidades, comenzaron a impartirse en Alemania.

    El apoyo cultural al Secessión fue dado por: L. Wittaenstein, Freud, G.Mahler, A. Schünberg, A.Berg, A.Webern , Hugo Wolf, K.Kraus, R.M. Rilke, A.Schnitzler, H.Von Hofmannsthal y H.Broch.

    C.MOLL, J.ENGELHART…

    R.MUSIL, S.ZWEIG, G.TRAKL, J.ROTH (escritores)

    Militan en la Seccession:

    WAGNER, OLBRICH, HOFFMANN, LOOS (arquitectos)

    KLIMT, MOSER, SCHIELE, KOKOSHKA, BOECKL (pintores)

    LÖFFLER, ROLLER, BARTH, FRACHER, BERNHARD, KLINGER, BINDER, GRIESSLER (diseñadores gráficos)

    En diseño gráfico se interesan por la estructura de la imagen a través de la ilustración, grafica publicitaria, cartel, edición o editorial y tipografía, donde desarrollaron alfabetos que tuvieron existo y dieron paso al racionalismo. En ilustración defendieron el uso del blanco y negro.
    Gracias a las condiciones culturales de Viena a finales del XIX y comienzos del XX, consiguieron un gran éxito en tipografía, ilustración y gráfica comercial, que plasmaron en revistas, pero algunos de ellos emigraron a Alemania e incluso más tarde a EEUU.

    En 1897 Klimt, Moll, Engelhart, Moser, Olbrich y Hoffmann fundaron la VEREINIGUNG BILDENDER KÜNTLER ÖSTERREICHS-SECCESSION (Asociación de Artistas Austriacos de la Secessión) que fueron un grupo disidente del academicismo que estaba en contra de la Academia de Viena (de la tendencia conservadora). En ese mismo año, se proyectó el edificio Secessión. Un año más tarde, se funda la revista “Ver Sacrum” para promocionar el estilo. Hay que destacar la octava exposición del Secessión de 1900 (a la que acudió Machintosh, Van de Velde).

    Influidos por el gremio de artesanos de Ashbee, por la obra de Machintosh en 1903, Hoffmann y Moser fundan los Wiener Werkstätle (talleres de Viena) apoyados por un banquero para “producir y distribuir diseños del nuevo arte”. En 1905 Moll fue atacado por otros miembros y Klimt y sus amigos abandonaron el movimiento. Funcionaron hasta 1920, y resurgen en 1930.

    -OLBRICH: cartel página 71. Tipografía palo muy fino. Herencia escuela de Glasgow del formato vertical.

    -Cartel para feria Darmstadt 1901, feria de industrias. Dibujado el pabellón principal. Laterales elementos de relleno típicos de la secession.

    -HOFFMANN: cartel pag.157 con fondo motivos geométricos

    -KLIMT: cartel pag70

    -Catalogo reina Sofía revista Ver sacrum

    -MOSER: orlas secession, ancha y final, geométrico. Blnco y negro. Tipog secession

    -ROLLER: discípulo moser. Motivo geométrico repetitivo. Alarga las “s”. Tipografia cada letra un rectángulo negro.



    MODERN STYLE O LIBERTY (EE.UU)

    EE.UU no tuvo peso en el AN. Durante la última década del XIX, la publicidad, estaba bastante desarrollada, y gracias a la industria y a un comercio audaz y emprendedor, y el cartel es bastante anticuado e influido por GB, o el estilo victoriano.

    Las tendencias europeas, entraban con dificultad y se le encargaban los carteles a los diseñadores consagrados, hasta que en 1890, una exposición de llamados carteles modernos, donde vieron por primera vez la obra de Toulousse-Lautrec y de Grasser, pero no de Ceret porque estaban censurados.

    WILLIAM BRADLEY:
    Se le considera el primer cartelista americano moderno y está considerado el único de la época.
    Es buen tipógrafo y aparte de diseñar tipos, se dedicó al cartel y la publicidad. Tiene muy buena relación entre tipografía-imagen. Era admirador de Morris y de Beardsley.

    MAXFIELD PARRISH:
    Pintor con influencia del AN y del simbolismo de tratamiento grafico a sus temas y composiciones. Utiliza estructuras escenográficas. Usa colores poco saturados, claroscuro, justo lo contrario a la suavidad de color modernista. Realizó cartel y trabajos vectoriales.

    EDWARD PENFIELD:
    Ilustrador y director artístico de la revista Harpeis. Buen cartelista y desde 1893 triunfó con un cartel para la revista. Es administrador de Grasset.




    Bradley:

    -Chap-Book, niña de color carne. Pelo inspirado en espaguetis. Tipografia elaborada. Idea sintetica, imagen mas anuncio.

    -portada del libro “Fin de Siglo”. Composición que rompe todas las normas, la mujer pqueña en primer plano y la grande en el segundo. Ropa con muchas curvas, características del AN.

    Coles Phillips:

    -totalmente desconocido. Muy moderno, bombilla con flores.

    -cartel anónimo de kodak



    DEL JUGENDSTIL AL WERKBUND INSTITUT: MODERNISMO ALEMAN

    Tras la unidad Alemana se fomenta un gran desarrollo industrial con economía expansionista lo cual lleva el aumento de publicidad que coincide con la expansión del AN. Dos revistas impulsan el Jugendstil: “Pan” y “Jugend”(joven). La primera se edita en Berlín entre 1895 y 1900 y la segunda en Munich entre 1896 y 1940. Ambas popularizaron el carácter alemán tomando la tradición cultural propia y las características regionales, difundieron los estilos estéticos europeos y el éxito de “Jugend” dio nombre al modernismo alemán.

    Dos profesores, ilustradores y diseñadores colaboraron en estas revistas, sobretodo en “Pan”: Otto Edmann y Emil Rudolf Weiss. El primero era catedrático de dibujo en la escuela de artes y oficios de Berlín, colaboró con “Pan” bastante tiempo en ilustración. Weiss trabajo en “Pan” con 20 años, se dedico a la ilustración y diseñó la tipografía de la revista.

    El AN no caló en Alemania en el DG, y además el S.XX alemán seria racionalista. En el mundo editorial alemán ya desde mediados del XIX y en concreto en 1844 hay que destacar una publicación infantil que se llama “Struwwelpeter” cuyo autor es el Dr. Heinrich Hoffmann, reeditado durante cien años.

    En 1851 entró en vigor en Alemania la primera ley de ordenación de espacios urbanos destinados a la publicidad. Un tipógrafo, Ernst Litfass, consigue del ayuntamiento de Berlín el permiso para colocar las primeras columnas anuncio de la historia iluminadas en su interior (vespasianas).
    Las escuelas de arte en Alemania hacia 1880 comienzan a poner en sus programas como asignaturas tipografía o cartelismo. Todo ello desembocaría en la propuesta pedagógica en 1907 del Werkbund Institut.

    Puso a Alemania a la cabeza del diseño, además Alemania tenía una base suficiente para elaborar un estilo propio basado en el racionalismo y alejado del AN europeo. En el cartel alemán hay que destacar a dos cartelistas: Otto Fisher y Ludvig Sütterlin de características muy conservadoras, nada AN pero el segundo triunfó con el cartel de la feria de muestras de Berlín de 1896. Al poco tiempo de publicar el cartel, otro cartelista mejo August Endell hizo la contraversión del cartel de Sütterlin.
    En el diseño tipográfico hay un diseñador de tipos que si se considera AN: Friedich Willem Kleukens, que diseño algunos tipos, orlas, alfabetos…



    Hermann Muthessius: arquitecto, es el personaje que canaliza la industria alemana hacia un estilo homogéneo a través de su asociación y fundación “Deutscher Werkbund”. Vivió en Londres entre 1891 y 1903 como agregado cultural de la embajada alemana. Conoció a Morris y a sus seguidores, y defendió los planteamientos de A&C. A su regreso a Alemania, fundó con un grupo de arquitectos, artistas, diseñadores y banqueros y comerciantes, fundó el “Deutscher Werkbund” reforzando las ideas de Morris a través de un núcleo disciplinar que sustituyó el romanticismo de A&C por un racionalismo y una funcionalidad en la proyección de objetos e imágenes, sintetizando la debatida cuestión arte-industria-artesanía. A esa acción se la considera hoy la primera actitud programática del S.XX al defender la actitud integradora del arte y de la industrial, además de proteger el trabajo manual, defendía el uso de la máquina que será el éxito de la defensa de la tecnología y que iba a dar paso a la Bauhauss.

    En los estatutos del Werkbund están la declaración de principios: El propósito del Werkbund es ennoblecer el trabajo artesano, vinculándolo al arte y la industria, la artesanía y las fuerzas activas manuales y quiere unir esfuerzos y tendencias hacia el trabajo de calidad existente en el mundo del trabajo y constituye el punto de reunión de aquellos que deseen producir un trabajo de calidad. El resultado de todo esto fue la creación de la primera escuela de arte y diseño de Europa, el Werkbund Institut.

    En Europa y en la misma Alemania, se crearon escuelas o centros de diseño dirigidos por artistas o arquitectos que tuvieron relación con el Werkbund, como Peter Behrens que dirigió la escuela de Düsseldorf, Van de Velde, Bruno Paul, J.M Olbrich, Otto Eckmann y August Endell (los dos diseñadores gráficos que trabajaron en escuelas alemanas). Ese modelo de escuela se llevó a Escandinavia.

    Peter Behrens:
    Es el paradigma de la historia del diseño, arquitecto, diseñador industrial y gráfico. Fue contratado por AEG para hacer algún edificio pero acabo llevando la dirección artística, los proyectos de arquitectura, los productos y la gráfica (diseño integral de la empresa). Su interés por el DG le llevo a experimentar con la tipografía y trabajo para una fundición y proyecto varios tipos que se llamaron la: Schcrift de 1901; Kursiv de 1907; la Antiqua y la Mediaeval de 1908 y 1913.Trabajo y colaboró en una editorial y fue director artístico.

    Diseñadores Gráficos:
    Ludwig Hohlwein: cartelista de Munich. Trabajo en la “Jugend”, de estilo sintético, relacionado vagamente con el AN y con A&C. Es famoso por el claroscuro, y el tratamiento plano de las figuras. Siguió los criterios de algunos cartelistas británicos pero en el fondo ni el estilo ni las tipografías ni la composición tiene que ver con el AN.

    Lucian Bernhard: (…)

    -carteles para marca de tabaco “manoli”. Abstraccion de los cigarrillos. 1911
    - cartel tabaco “novelta”
    -cartel belico de la etapa de la I guerra mundial. Cambio estética: aspecto xilografía.
    -cartel para el movimiento de liberación de la mujer.
    -alfabeto Bernhard, basado en espirales.
    - cartel “rem” influido por el art deco.

    Hans Rudi Erdt:
    -cartel “bar riche”
    -cartel “opel”, nombre marca y un piloto avion
    -cartel “neverfail” (tren?, caja fuerte?)
    - cartel época de guerra de submarinos durante la I guerra “U boot”
    Julius Klinger: austricao emigrado a Alemania.
    -cartel “die lustige woche” revista
    Julius Gipkens:
    -cartel exposición en la galería Hohenzollern, “der gedeckte tish”
    Joseph Binder:
    -Cartel hecho en NY, “New York World’s Fair”

    PETER BEHRENS:
    -Logotipos AEG





    FUTURISMO ITALIANO:

    Marinetti es denominado el motor poético del movimiento futurismo que concede a la tipografía un papel nuevo en las formas plásticas, indicándose con él la denominada revolución tipográfica.
    Apoyados por DG como: Eckman, Bernhard y Moser, gracias a la influencia de ellos, los futuristas dieron entidad pictórica a la letra. Para ellos la tipografía enfatiza el texto pero en el futurismo se huye de las normas establecidas. A partir del manifiesto fundacional, lanzó el lema: “la palabra en libertad”, donde se justifica el protagonismo del tipo, en una disposición inédita, donde la letra se libera de la alineación típica.

    Sus precedentes están en Alicia en el país de las maravillas, en los poemas de Stefan Mallarmé y en los textos de G. Apollinaire. A partir de ahora, las alineaciones de texto pueden ser verticales, circulares, en zig-zag,…

    Este tipo de propuestas se integraron en la gráfica futurista y dada. El futurismo predicó el dinamismo de la vida contemporánea, representando su belleza, reduciéndola a esquemas estructurales o desarrollando las fases del movimiento.

    Además del grupo de los cinco (G.Balla, C.Carrá, H.Bocionni, Russolo y Severini), están los DG como Fortunato Depero (mestro del DG italiano), Soffici, Lucio Vena y el líder Filippo Marinetti, y luego están los tres diseñadores de la ultima generación (segundo futurismo): Figlia, Dottori y Bruno Munari. El futurismo italiano desde la óptica de la vanguardia, tuvo proyección internacional, influyendo en el dadá y en la vaguardia rusa.

    -portada manifiesto futurista marinetti
    - “poema” de soffici

    FORTUNATO DEPERO:
    -uso del rojo y del negro. Autopublicitario. Geometrizar, interclar pero legible.

    Tarjeta de visita en forma de corazón

    Cartel para Campari




    BAUHAUSS

    Joseph Schmidt: Alumno y profesor desde 1925 de escultura, construcción de letras, tipografía y dibujo publicitario. Se mantuvo hasta el final de la escuela en 1933, que marchó a Berlín y seguiría de profesor hasta su muerte. Hay que destacar sus trabajos sobre forma, composición y color aplicados al dibujo publicitario. También fue teórico y diseñó alfabetos

    Joseph Albers: alumno y profesor desde 1920 al 33. Emigró a EEUU y se estableció en Carolina del Norte. Fue profesor y divulgador de la Bauhaus, profesor en Yale y Harvard. Además trabajo en pintura y el más importante teórico del color del siglo XX. Fue tipohgrafo e hizo alfabetos, carteles publicitarios…

    Diseño de un frutero ’54. Aleacion metalica, con vidrio y bolas de madera.
    Alfabeto de trepa o de plantilla.

    Herbert Bayer: el único diseñador gráfico puro de la escuela. Trabajó en publicaciones de la escuela y en publicidad. Fue profesor de tipografía y técnica publicitaria pero en la escuela solo estuvo hasta 1928 que marcho a Berlín y trabajó de DG, tipógrafo, pintor, fotógrafo y diseñador de ambientes (arquitectura efímera). Estuvo influido por Moholy-Nagy, sobretodo en tipografía, practicó la fotografía publicitaria y de vanguardia. Se sabe que utilizo lenguajes de experimentación fotográfica aplicando el constructivismo, el fotomontaje y el surrealismo como lenguaje. Aplicó también el aerógrafo venido a través de emigrantes rusos.

    En su etapa alemana fue director artístico de la revista Vogue, fundador y director de la agencia de publicidad Dorland Berlín Studios. Director artístico de la revista “La Nueva Línea” (“Die Neue Linie”), y en esos años se ve claramente la influencia de Nagy, Klee y Kandisnsky (profesores suyos).

    En 1938 emigra a EEUU y se estableció en Nueva York, donde tenía la sede de su agencia publicitaria. Fue consejero artístico de la agencia J.Walter Thompson. Desarrolló y comisarió exposiciones conmemorativas de la Bauhaus editando libros y catalogos, entre los que destacan el catálogo de la exposición de 1938 en el MOMA y la exposición 50 años de la Bauhaus en Stutgard. En 1946 vivía en Aspen (Colorado) donde se dedicó a la pintura mural y al diseño textil y fue el asesor en diseño gráfico de la CCA (Container Corporation of America, la multinacional del transporte americana). Además dio conferencias sobre diseño y asociado a empresas de construcción se dedicó al diseño del entorno urbano más interiorismo, apartamentos, dio talleres de diseño y se dedicó a la jardinería artística y murió en 1985.

    -Escultura Gropius
    -Logo Bauhaus (Peter Rohl, J. Auberbag?..)
    -Anuncio con la venus de Boticcelli
    Imitando a los diseñadores suizos, anuncio de pistas de ski de Canadá
    Portada de la revista Domus ’54.

    Moholy-Nagy: cartel exposición de Weimar de 1919-23 en la Bauhaus.
    Cartel junto con Theo van Doesburg para una exposición del ultimo en la Bauhaus. Constructivismo, uso de cajas, cuadros de colores puros (blanco, rojo, amarillo y azul).
    Cartel de 1935 “neumatik”. Idea de movimiento, de giro…influencia del futurismo, art deco…etapa de Londres.
    Cartel para líneas aéreas, ojo y avión.


    Marianne Brandt:

    Despacho Gropius en la Bauhaus de Weimar (alfombra de Klee como regalo por su cumpleaños, lámparas, mesa y mobiliario de Gropius y tapiz alumnos,…). Foto de Lucia Moholy-Nagy coloreada años mas tarde.

    Despues de Weimar, tras quitarles las ayudas económicas por temas socio-políticos, y porque se les quedaba pequeña, Gropius proyecta un edificio nuevo de la Bauhaus pero no saben en qué sitio situarlo. En nuevo edificio constaba de tres secciones (secretaria y despachos, talleres y residencia), conectados por un “puente” o galería. Finalmente decidieron asentarse en Dessau. Constructivismo, uso de las mayúsculas en “Bauhaus” para contradecirse.

    Casa de Gropius, en forma de cubos: ladrillo, estructura de hormigón y pintado de blanco. Hacia las mismas casas para todos los profesores.
    Adler de 1932, coche diseñado por Gropius.

    Oskar Schlemmer: pintor de vocación pero escenógrafo en la escuela. Diseñaba disfraces con los alumnos para las obras que él escribía.
    “Ballet Triádico” 1926
    La danza de la forma, 1927.

    Joost Schmidt:
    Profesor de dibujo publicitario y tipógrafo, quizás el de mayor prestigio de la escuela.
    Cartel para exposición de la escuela en 1923. Constructivismo, colores tierra, negro y rojo.
    Trabajo de clase con juego de letras y collage. Jugar con contrastes y geometría todo en base a la letra P.

    -Encargo particular del ayuntamiento de Dessau, 1931, para hacer publicidad de la ciudad. Recortes de foto aérea, fotos y dibujos de la cuidad a pie, avión…
    -Trabajo de clase de dibujo, clase de desnudo del año ’30.
    -Trabajo de un alumno (Hajo Rose), ejercicio de creación de 1931. Acuarela y tinta china sobre papel blanco y carton. El ser humano como centro o como blanco del arte. Blanco, negro y rojo. -Una silueta de un hombre sobre una diana y la mano que aparece es su firma.

    Wilhelm Wagenfeld: alumno destacado y favorito de Moholy-Nagy, y luego fue profesor.
    Diseño de tetera y taza de vidrio.

    Joseph Pohl: alumno y maestro de tayer.
    Armario para solteros, 1929. Gente que se mueve mucho y se puede llevar. Altura regulable, zapatero…

    Cartel anónimo de la Bauhaus. Exposicion de la Bauhaus. Posible Bayern ya que está inspirada la tipografía en la suya, Schmidt al usar el recuadro negro…

    Gunta Stölzl: maestra del tayer detextiles.
    Tapiz inspirado en los diseño de Item?¿
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